Il distintivo di Hollywood e il distintivo di Hollywood attaccato a una maglietta strappata hanno fatto sì che un poco conosciuto all’epoca, Bruce Willis. Certo, a questo punto non ha più vegetato dietro un bar, versando “margaritas” a celebrità locali come De Niro, Pacino e Hoffman, ma lo status di “star” ancora non se lo sogna nemmeno. Willis ha avuto un solo ruolo di successo nell’ironico detective David Edison di “Moonlighting Detective Agency” / Moonlighting / (1985). E poi, all’improvviso, la fortuna ha sorriso a Bruce: scavalcando una serie di altri candidati, ha interpretato uno dei ruoli più importanti della sua vita: il detective John McClane.

“Che nevichi, che nevichi…”. – Facendo le fusa sotto il naso alle parole della canzone natalizia, un semplice poliziotto americano John McClane aveva fretta di incontrare sua moglie Holly… Nel frattempo, invece di un piacevole Natale John in appena mezz’ora è riuscito a dimostrare ai terroristi guidati da Hans Grubber, l’eroe di Alan Rickman, e al pubblico che il poliziotto americano – non è così semplice. Forse McClane non avrebbe dovuto disperdere i cattivi ovunque potesse, e sarebbe rimasto a casa moglie …

Il film è stato un successo clamoroso e il ruolo principale ha messo Willis alla pari con i celestiali di Hollywood. Stallone, Schwarzenegger, Eastwood, Gibson, Van Damme e Seagal hanno dovuto accogliere tra le loro fila un nuovo supereroe. Tuttavia, il trionfo è stato ben meritato: Willis ha dato il massimo sul set.

Non si può dire che il successo di “Die Hard” fosse inaspettato. Ancora una volta, la ricetta tradizionale ha funzionato: il camiciaio, cittadino modello e padre di famiglia, non senza difficoltà, vince sui malcapitati. Inoltre, l’uomo è anche tagliente con la lingua (per inciso, molte delle sue battute sono quelle improvvisate da Willis stesso). Come poteva resistere? L’importo finale degli incassi al box office mondiale, cinque volte il budget del film. Fatto curioso: all’inizio, i produttori non volevano nemmeno stampare un’immagine del poco conosciuto Willis sul poster pubblicitario, limitandosi a un grattacielo.

Tuttavia, dopo un paio d’anni, il volto di Bruce fu replicato in migliaia di poster e cartelloni pubblicitari – sugli schermi arrivò “Die Hard 2” / Die Hard 2 / (1990). A causa di un disguido nei programmi di ripresa, John McTiernan fu sostituito da Renny Harlin, all’epoca noto solo per la quarta parte di “A Nightmare on Elm Street”. Lo stesso Willis ha fatto diligentemente i compiti a casa, arricchendo il repertorio di frasi ad effetto come “Yo-ho-ho, figlio di puttana”, che sono state riversate sullo spettatore per tutta la durata del film. Ancora una volta, l’eroe ha continuato a distruggere i cattivi delle sue fortune familiari, facendo arrabbiare la polizia locale e i controllori dell’aeroporto. Non ci volle molto perché il risultato si riversasse nel salvadanaio di Peanut. Con un budget di 70 milioni di dollari, incassò quasi 300 milioni di dollari, un record che sarebbe stato battuto solo un anno dopo da Terminator II: Il giorno del giudizio (1991) di James Cameron.

Non è mancata nemmeno una nomination agli Oscar. È vero, sono state candidate alle statuette solo le immagini tecniche di squadra (miglior fotografia e suono). Ma per lo stesso Willis si trattò solo di una svolta, e presto il suo nome comparve anche nelle liste delle star (“Pulp Fiction” (1994), “Il sesto senso” (1999)).

Con Black & Decker è successa una cosa strana. I ragazzi volevano davvero vedere la loro esercitazione nel film e hanno pagato una bella somma per questo. La scena in cui McClane trapana disperatamente qualcosa con un trapano Black & Decker è stata anche filmata, ma è stata tagliata durante il montaggio. Che delusione è stata per i creatori di strumenti veloci quando il film è stato distribuito! La questione ha rischiato di finire in tribunale, ma lo scandalo è stato messo a tacere.

La pausa tra Die Hard 2 e la terza parte è stata di circa quattro anni. John McTiernan tornò al progetto e per prima cosa chiese di aumentare il suo compenso a 20 milioni, una cifra mai vista all’epoca. Alla fine, il budget per “Die Hard 3” /Die Hard: With A Vengeance / (1995) ammontava a 90 milioni di dollari. La base del film era la sceneggiatura “Simon Says”, che era stata pensata per la quarta parte di “Arma Letale”, ma mentre Gibson e Richard Donner facevano tremare i produttori con una serie di richieste, “Simon” fu deciso di “pettinare” sotto “Die Hard”. Così McClane ha “perso” la moglie, ma ha guadagnato un partner nero interpretato da Samuel L. Jackson.

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Nel 1996, il produttore Mark Gordon presentò alla Paramount l’idea di Rodat, ispirata ai fratelli Niland, che alla fine portò all’inizio del progetto dell’anno. Spielberg, che all’epoca stava formando la DreamWorks, prese in mano il progetto e Hanks si unì al cast. Dopo che gli attori sono stati addestrati dal veterano di Marin Dale Dye, le riprese di base sono iniziate nel giugno 1997 e sono durate due mesi. Le scene del film D-Day sono state girate a Ballinecker Beach, Curraclo Strand, Ballinecker, a est di Carraclo, nella contea di Wexford, in Irlanda, e utilizzate dai membri dell’esercito irlandese come parte di una squadra di sbarco della fanteria.

Uscito il 24 luglio 1998, Salvate il soldato Ryan ha ricevuto il plauso della critica e del pubblico per le sue interpretazioni (in particolare quella di Hanks), il realismo, la fotografia, la musica, la sceneggiatura e la regia di Spielberg, ed è stato elogiato da molti critici cinematografici. ‘elenco delle top ten del 1998. È stato anche un successo al botteghino, diventando il film di maggior incasso del 1998 negli Stati Uniti con 216,8 milioni di dollari a livello nazionale e il secondo film di maggior incasso del 1998 a livello mondiale con 481,8 milioni di dollari. Nel maggio 1999 ha incassato anche 44 milioni di dollari grazie all’uscita in home video. Il film ha vinto numerosi premi, tra cui quello per il miglior film e per la regia ai Golden Globe, ai Producers Guild of America, ai Directors Guild of America e ai Critics’ Choice Awards. Il film è stato candidato a undici premi Oscar alla 71ª edizione degli Academy Awards, dove ne ha vinti cinque, tra cui la seconda vittoria di Spielberg nelle categorie miglior regista e miglior film. Montaggio, Miglior fotografia, Miglior sonoro e Miglior montaggio degli effetti sonori, anche se ha perso l’Oscar per il Miglior film per Shakespeare in love a causa di uno scandaloso turbamento degli Oscar.

Sin dalla sua uscita, Salvate il soldato Ryan è stato considerato uno dei più grandi film mai realizzati ed è stato acclamato come un’influenza sul genere dei film di guerra. È stato accreditato per aver riacceso l’interesse nei confronti dei media della Seconda Guerra Mondiale. Nel 2007 l’American Film Institute ha votato Salvate il soldato Ryan come il 71° miglior film americano degli ultimi 100 anni… 100 film (10th Anniversary Edition), e nel 2014 il film è stato selezionato per essere conservato nel National Film Registry dalla Biblioteca del Congresso in quanto “culturalmente, storicamente o esteticamente significativo”.

Trama
Nel presente, un uomo anziano visita il cimitero di Normandia con la sua famiglia. Alla lapide cade in ginocchio per il dolore.

La mattina del 6 giugno 1944, i soldati americani sbarcano a Omaha Beach nell’ambito dell’invasione della Normandia. Subiscono pesanti perdite mentre attaccano le posizioni difensive tedesche fortificate. Il capitano Miller del 2° Battaglione Ranger guida una fuga dalla spiaggia. Altrove, sulla spiaggia, un soldato morto giace a faccia in giù nel mare insanguinato; sul suo zaino c’è scritto Ryan, S.

A Washington, presso il Dipartimento della Guerra, il generale George C. Marshall comunica che tre dei quattro figli della famiglia Ryan sono stati uccisi in azione con breve preavviso: Daniel Ryan in Nuova Guinea poco prima del D-Day, Sean Ryan a Omaha Beach e Peter Ryan a Utah Beach; il quarto figlio, James Francis Ryan, è nella 101ª Divisione aviotrasportata da qualche parte in Normandia. Dopo aver letto ad alta voce la lettera di Bixby ad Abraham Lincoln, Marshall ordina a Ryan di trovarla e portarla a casa.

Tre giorni dopo il D-Day Miller riceve l’ordine di trovare Ryan e riportarlo indietro. Sceglie sette uomini della sua compagnia: il sergente Horvathia, i soldati di prima classe Reiben e Caparzo, i soldati semplici Mellish e Jackson, il medico T/4 Wade e il T/5 Upham, un interprete della 29ª Divisione di Fanteria. Si spostano a Neville, dove incontrano un distaccamento del 101° Reggimento che combatte il nemico. Caparzo viene ucciso da un cecchino tedesco, che viene ucciso da Jackson. Trovano il soldato James Ryan solo per scoprire che si tratta di James Frederick Ryan. Miller apprende dai soldati di passaggio che Ryan sta proteggendo un ponte importante a Ramelle.

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Piuttosto, abbiamo davanti a noi uno dei film proto-mainstream di Entranced che ha definito il tono e lo stile narrativo del cinema “gangster”. Una vicenda prolungata e “torbida”, che può essere generalmente caratterizzata come un’osservazione di gruppi di teppisti in giacca e cravatta.

Tuttavia, non è tutto così univoco: Brando, pur essendo un fannullone, ha realizzato l’immagine di Bigg Boss in modo incredibilmente pittoresco, pomposo e di buon gusto. Insieme al lavoro di ripresa e alla colonna sonora, il film si presenta bene.

Ma questa è la superficie e l’involucro. Cosa c’è dentro?

All’interno, ci viene offerto un esempio esemplare di come non vivere e di cosa non essere. Ma, come nel caso della dilogia del monello domestico, l’idea passò inosservata all’uomo medio che cadde nell’imitazione, ignorando i fatti e la logica di ciò che stava accadendo.

In realtà, assistiamo al dramma di un uomo che è impantanato nel suo passato nel bel mezzo di un futuro non proprio felice. La bellezza del film è che dietro tutto lo stile del Sogno Americano si nasconde solo una falsa macchina senz’anima che mette le persone l’una contro l’altra.

I valori familiari tanto cari a Vito hanno chiaramente eluso i suoi discendenti. E non c’è da stupirsi: il padre era impegnato a organizzare le incredibili avventure degli italiani in America, dimenticando che i figli avrebbero tratto da lui ciò che osservano, non ciò che lui racconta loro giorno dopo giorno.

Cercando di ottenere un’indulgenza per le modalità delle sue “attività”, Vito assiste impotente a ciò che lascia dietro di sé: la discordia familiare regna, gli “affari” non rendono esattamente felici coloro che hanno vissuto grazie a lui, e i suoi discendenti chiaramente non comprendono il percorso innaturale intrapreso dal loro antenato.

E non c’è da stupirsi: non sono fuggiti dalle rappresaglie alla luce di un falso sogno, non sono morti di fame guardando i compatrioti uccidersi a vicenda, non hanno bollito nel calderone sociale del Nuovo Mondo, intessuto di schiavitù e disprezzo. Per loro, la visione di Vito Corleone è estranea. E ognuno di loro è solo un frammento di identità. Come si è visto, insostenibile.

Alla fine, la tragedia fa il giro e tutto torna al punto di partenza: Junior, che all’apparenza sembra avere buone intenzioni, si rivela solo una copia e una somiglianza di Vito, organizzando una sorta di piccolo olocausto per i corvi d’affari locali.

Il motivo per cui ciò accade e come essi, con la loro organizzazione, siano sopravvissuti fino alla loro età è un mistero. Tuttavia, non rovina il dramma, e questo è un problema.

È una buona immagine? È più probabile che sia sì che no.

Vale la pena di guardarlo per tutti? È più probabile che sia no che sì.

Il Padrino originale è un’idea fondamentale e ben realizzata. L’idea che il film ha dello Scumbag e di come le tue aspirazioni non sempre corrispondano alla realtà è piuttosto confusa per essere compresa dai più.

Il film è molto adulto, ma… per un adulto non dice nulla di nuovo, e Michael Corleone non può essere l’innovatore della malavita. E per una persona immatura il film non sarà in grado di mostrare nulla di valido, proprio come Vito non è riuscito a mostrare ai suoi numerosi figli.

L’immagine è buona, a tratti fenomenale. Ma ahimè, non è “classico” e senza tempo.

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L’accento principale del film, e allo stesso tempo il suo principale svantaggio, è la sua lunga durata. La durata di tre ore e mezza è palpabile, e la lunga azione e la rivelazione dei personaggi principali fanno la parte del leone nella visione. Comprensibilmente, per una maggiore immersione nell’epoca del Medioevo, questo focus d’azione e sarebbe stato molto appropriato, in quanto Kurosawa presta attenzione sia alla cultura e alla vita quotidiana, sia alle difficoltà nel processo di ricerca di protezione. Tuttavia, il film si concentra sui samurai e sulle loro condizioni.

Sembra molto facile e semplice trovare dei difensori (è così nell’era dei blockbuster “supereroistici”), ma il regista si concentra sui tempi, sulle possibilità. Le guerre forti sono molto rare, nessuno vuole lavorare per un’idea, un onore, una dignità, quindi la paga è molto appropriata. Gli abitanti del villaggio, uomini forti e figli coraggiosi, cercano di attirare il samurai in ogni modo possibile. Il film ritrae chiaramente la decadenza e la povertà quando non è nemmeno il denaro che interessa ai mercenari, ma almeno il loro sostentamento.

I samurai sono facili da trovare tra gli abitanti della città: si distinguono per l’uniforme, le spade nel fodero e la ricerca di un lavoro come tale. Ma come si fa a distinguere i buoni guerrieri dai ciarlatani o dai combattenti inesperti? Assegni, modalità di pagamento, ricerca di veri difensori. Trovare sette eroi è ancora metà della battaglia; un’altra cosa è che ogni samurai ha il suo punto di vista sulla protezione, le sue regole. Questa è l’eccezionalità di avere eroi rivelati. I personaggi sono sconosciuti agli spettatori, i lati “oscuri” e “chiari” di ogni samurai, ma i personaggi sono piuttosto interessanti da scoprire.

Samurai nel villaggio. In modo drammatico e un po’ ironico, gli abitanti del villaggio salutano i loro difensori, il che solleva vaghi dubbi sullo scopo dell’apparizione in città degli eleganti guerrieri. Il regista mette la vita quotidiana sulla stessa scala dell’azione, immergendo il pubblico nell’attesa dell’azione. I minuti si trascinano, i samurai vanno d’accordo con gli abitanti del villaggio, aiutano gli abitanti, addestrano i contadini deboli, ma sottolineano un punto importante: sono qui per uno scopo, non sono abitanti del villaggio, non amano questo tipo di acquiescenza.

Sullo sfondo dei preparativi per il combattimento, il film diluisce sia episodi pericolosi (il rapimento di un bambino, ad esempio) che un po’ di romanticismo (un personaggio femminile che si finge ragazzo per la propria sicurezza), mostrando così il particolare samurai in situazioni diverse rispetto alle operazioni di combattimento. Il furto del riso fa temere non per la fame dei contadini, ma per il fatto che ora non ci sarà più nulla per assoldare mercenari, da cui la ridefinizione dei valori.

In termini di struttura tecnica, il film contiene un Interludio a metà della linea temporale, una pausa che ha permesso uno split-screening e un riposo. Questo elemento di visualizzazione cinematografica era spesso prevalente negli anni ’50 e ’60, soprattutto se le sale erano piene di spettatori. La storia di Akira Kurosawa si sarebbe poi riflessa nei film western, sottolineando ancora una volta l’importanza del film nel suo complesso. La storia è quella di un villaggio in cui i banditi fanno irruzione, saccheggiano, raccolgono tutti i beni e se ne vanno, per poi tornare qualche tempo dopo a raccogliere le ricchezze di un popolo indifeso.

Finalmente, dopo due ore di schermo, si verificano gli eventi previsti. In un intervallo così lungo, si ha l’impressione che forse non succederà nulla. Forse i banditi non appariranno più all’orizzonte. Ma l’attesa ne è valsa la pena. Le scene di assedio, la brutalità dei nemici e il rifiuto dei samurai combinano magnificamente dramma e combattimento. La strategia dei samurai e dei sapienti abitanti permette di divertirsi sia con gli abili combattimenti che con le astute tecniche dei propri alleati. La superiorità numerica dei nemici è più che compensata dagli effetti della sorpresa, della difesa e dell’inganno.

Il film non idolatra gli eroi, non mostra i loro errori, i loro vizi e le loro azioni crudeli, ma coniuga pienamente il culto dei samurai, il senso della vita di questi abili combattenti e spara il dramma nel finale. “Sette Samurai” è ricco di splendide inquadrature, immagini ampie e paesaggi simbolici, il che è un grande vantaggio per un film in bianco e nero. È bello, drammatico, ma trascinante. Anche in questo caso la cinematografia non può essere assorbita in una sola volta, e alcuni episodi possono essere eliminati del tutto. Ma questa è la volontà del regista! Il padrone è il signore!

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