Prima di The Matrix, i fratelli Wachowski avevano già fatto la storia con la loro sceneggiatura del 1994 dell’avvincente thriller “Hitlers”. Il produttore dello studio Warner Bros. ne è rimasto molto colpito e questo successo ha posto le basi per il loro capolavoro: The Matrix.Lorenzo DiBonaventura ha colto al volo l’opportunità quando i Wachowski gli hanno presentato il loro concept, incluso un riassunto di The Matrix. Di Bonaventura e Joel Silver hanno inizialmente sottovalutato le potenzialità del progetto dei fratelli. Non sapevano che alla fine sarebbe diventato un enorme successo, cambiando il volto della cultura pop.

Prima del 1999, tutti pensavano che il più grande evento cinematografico dell’anno sarebbe stato Star Wars Episodio 1. Tuttavia, The Matrix si è rivelato un successo inaspettato, superando il film di Lucas in popolarità. Sia la critica che il pubblico sono rimasti affascinati dal film, che ha incassato più di 450 milioni di dollari ai botteghini mondiali.

The Matrix ha avuto un impatto innegabilmente significativo sul mondo del cinema. Il film Wachowski ha rilasciato un nuovo livello di intrattenimento e azione accattivante che ha rivoluzionato il settore.The Matrix era noto per le sue rivoluzionarie tecniche cinematografiche tra cui il rallentatore, il volo attorno a oggetti fissi e intense scene di battaglia. Da allora questo popolare stile di ripresa è stato imitato da molti registi.

The Matrix ha riscosso un enorme successo e questo ha scatenato una controversia con alcuni geni autoproclamati e non riconosciuti che affermavano che i fratelli Wachowski avevano rubato la loro idea e fatto fortuna.

È passato un po’ di tempo da quando i Wachowski hanno avuto le loro ispirazioni creative, ma puoi ancora capire da dove le hanno prese. Non puoi essere un creatore di successo senza comprendere e interagire con la cultura, le idee e i concetti della tua società. Non è sufficiente replicare solo il contenuto di opere di successo; devi avere un capolavoro originale che si distingue a sé stante. Per creare qualcosa di veramente unico, è essenziale avere una vera passione per il materiale e usarlo come base. Questo è ciò che hanno fatto i Wachowski quando hanno creato qualcosa di nuovo da concetti esistenti – ed è per questo che il loro lavoro è stato immortalato nella storia del cinema.

Dopo l’enorme successo di The Matrix, la visione di una trilogia dei Wachowski è stata finalmente realizzata dallo studio. Di conseguenza, quattro anni dopo la sua uscita The Matrix Reloaded e The Matrix Revolutions sono stati portati ai fan. Dal punto di vista finanziario, è stato un successo: 1,2 miliardi di profitti totali a fronte di 300 milioni di investimenti. Tuttavia, dal punto di vista creativo, i sequel sono scesi molto al di sotto del primo film di Matrix in termini di cinematografia e valore artistico.

Lo svantaggio dei sequel è che non espandono il concetto originale. Il climax della puntata originale ha dato agli spettatori un’idea del notevole cambiamento che sarà portato dal Prescelto, ma questo non si realizza mai. Sfortunatamente, non è cambiato molto nei sequel. Nonostante il potere e la capacità di volare di Neo, le sue battaglie con gli agenti si basano ancora sul combattimento corpo a corpo. Le persone rimangono ancora scettiche su di lui e sulla sua missione di salvatore. Con la chiusura della sezione iniziale, aveva acquisito la capacità di demolire le applicazioni e riconfigurare Matrix attraverso i suoi pensieri, sebbene questo suo potere fosse stato quasi dimenticato dagli architetti.

La scelta di girare i sequel contemporaneamente, seguita da un intervallo di sei mesi per il loro rilascio, si è rivelata una decisione sbagliata. Di conseguenza, “Reloaded” è diventato solo una transizione tra la prima e la terza parte invece di essere un film indipendente. I principali eventi dei film precedenti – come la lotta per Zion e l’invasione del mondo reale da parte di Smith – sono stati tutti trasferiti in The Matrix: Revolutions, che ha avuto un effetto negativo e rallentato sulla progressione della trama di entrambi i sequel.

Sì, le dimensioni e la portata degli eventi sono cresciute in modo significativo e gli effetti speciali sono più impressionanti. Tuttavia, quella sensazione unica di originalità non c’è più. Negli anni tra Matrix e il suo sequel, Hollywood ha preso in prestito pesantemente dal lavoro dei Wachowski. L’iconico salto di apertura di Trinity è stato replicato e parodiato ripetutamente in vari film e programmi TV. Sfortunatamente, i creatori non sono riusciti a trovare qualcosa di diverso per il riavvio oltre a iniziare con un inizio simile all’originale. A peggiorare le cose, hanno usato ripetutamente i cliché della prima versione invece di inventare qualcosa di fresco e innovativo per gli spettatori.

A peggiorare le cose, l’ultima puntata dei film “Matrix” ha perso il senso del brivido e del rischio. Nel film iniziale, ogni combattimento contava, con i nostri eroi sempre in situazioni di vita o di morte. Sfortunatamente, questo manca nei sequel, specialmente in “The Matrix Reloaded”. Ad esempio, la scaramuccia di Neo con gli agenti ha poco significato per la trama rispetto agli elettrizzanti inseguimenti del primo “Matrix”. Il duello di un centinaio di Smith può essere impressionante in termini di effetti speciali, ma semplicemente non può essere paragonato alla potenza di una scena avvincente sul tetto. Il tentativo di Neo di spingere i suoi limiti è un momento incredibilmente intenso ed emotivamente carico, che nessuna quantità di grafica generata al computer potrebbe mai eguagliare.

Nonostante il clamore che circonda “Reloaded” e “Revolution”, non sono stati all’altezza delle aspettative. Questo potrebbe essere stato il risultato di grandi aspettative, ma non dovrebbe togliere nulla al loro impatto. I fan potrebbero essersi aspettati nuove intuizioni e rivelazioni dai sequel di The Matrix, ma hanno trascurato il fatto che si tratta solo di un classico blockbuster. Ha alcuni momenti eccellenti, ma non sbagliare nel pensare che ti insegnerà qualcosa di serio. Non puoi ottenere intuizioni filosofiche dai film di Hollywood. I fan del lavoro dei Wachowski dovrebbero ascoltare il loro suggerimento e leggere quei libri che li hanno ispirati. In questo modo, possono apprezzare meglio non solo il materiale originale, ma anche il suo adattamento allo schermo.

The Matrix si distingue dal resto dei film VR per la sua incredibile sceneggiatura scritta dai Wachowski. Era coinvolgente con una trama che attirava e affascinava gli spettatori. Lo sviluppo della trama ha tenuto gli spettatori all’erta e ha consentito un’esperienza cinematografica complessivamente eccezionale. Neo ed io stavamo cercando una soluzione al puzzle di Matrix. Il finale pieno di suspense è stato realizzato alla perfezione; ha lasciato un’opzione per i sequel ma ha dato agli spettatori una chiusura sufficiente nel caso in cui non ce ne fossero.

The Matrix è stato un successo immediato grazie ai suoi impressionanti effetti visivi, emozionanti scene d’azione e attenzione ai dettagli. Ha fornito agli spettatori qualcosa che non era mai stato visto prima, il che l’ha resa un’esperienza memorabile per tutti. The Matrix è stato davvero un capolavoro a modo suo. Ero innamorato del modo in cui veniva presentato e volevo imitare i suoi protagonisti attraverso il loro modo di vestire e di parlare.

Una perfetta combinazione di diversi elementi si sono uniti per formare un film eccezionale: The Matrix. Ciò è stato ufficialmente riconosciuto quando il film è stato inserito nella Library of the American Congress nel 2012, assicurandosi il suo posto come tesoro nazionale.

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Nel 1927, Yasujiro Ozu diresse il suo film d’esordio, Sword of Repentance. Questo è stato l’inizio di quello che molte persone ora considerano come un film continuo che ha abbracciato tutta la sua vita: un’opera magistrale che utilizza gli stessi motivi narrativi.Yasujiro Ozu è noto per la sua profonda esplorazione della famiglia giapponese. Si è concentrato principalmente sull’interazione tra genitori, figli e tradizioni che alla fine diminuiscono nel tempo. La sua intera filmografia offre uno studio completo di queste relazioni.

Ozu ha proclamato in Tokyo Tale di aver rappresentato la diminuzione del sistema familiare giapponese a causa della crescita di genitori e figli. Lo ha anche etichettato come uno dei suoi film più sentiti. “Tokyo Tale” è una grande dimostrazione di un approccio registico sofisticato. Questo film insieme ad altri film del dopoguerra serve come promemoria per comprendere il valore della vita familiare pacifica.

Il cinema giapponese tocca spesso temi familiari, patriottici e militari nelle sue trame. Tuttavia, i film di Yasujiro Ozu sono piuttosto speciali tra gli altri per la loro narrazione unica. A differenza di Mikio Naruse e delle sue critiche alla famiglia come istituzione, questo testo non li condanna. Allo stesso modo, inoltre, non segue le orme di Keisuke Kinoshita e celebra il concetto come in alcuni dei suoi lavori successivi. Ozu è stato meticoloso nelle sue riprese, cronometrando la durata di ogni fotogramma con un cronometro, in netto contrasto con lo stile narrativo espansivo di Kurosawa. I film di Yasujiro Ozu evidenziano la famiglia come il suo universo e ne mostrano il graduale disfacimento.

Tokyo Tale è la parte conclusiva della trilogia di Noriko, che in precedenza comprendeva la tarda primavera del 1949 e l’inizio dell’estate del 1951. Questo film narra la storia di un’anziana coppia della provincia di Onomichi.Visitare i loro figli a Tokyo è stata la ragione principale per cui hanno visitato la città: il loro figlio era diventato medico, mentre la loro figlia aveva aperto il suo salone di bellezza. Sfortunatamente, molti bambini si ritrovano più preoccupati per i problemi della loro vita che per legare e passare del tempo con i loro genitori. Molti ragazzi optano per i pass per il fine settimana negli ostelli della gioventù come fuga. Comprensibilmente, i genitori si preoccupano e vengono in città per stare insieme come una famiglia e poi tornare di nuovo a casa. Alla vigilia del suo viaggio, la madre fa visita a Noriko, la vedova del figlio morto caduto in battaglia. Scopre che Noriko è più vicina ai genitori del suo defunto figlio che ai suoi stessi figli.

Ozu aveva un apprezzamento speciale per Tokyo Story, anche se ne parlava raramente. Questo film è basato su un’ambientazione regionale ma trascende per rappresentare qualsiasi nazione. Attraverso la rappresentazione delle relazioni genitore-figlio, Ozu tocca la questione del declino del Giappone. La cultura americana è stata pesantemente modellata da culture straniere, come evidenziato da rari segni di questa influenza negli stili di vita tradizionali. Minoru (Zen Murase), il figlio maggiore dei personaggi principali, sta imparando l’inglese e nella stanza di Noriko si possono vedere oggetti come un detersivo per bucato Rinso e un poster dell’azienda di pneumatici Brigdestone. Questi prodotti si aggiungono all’atmosfera dell’ambientazione del film.

Nel film, osserviamo il netto contrasto tra un ambiente urbano e uno rurale. Possiamo comprendere l’atmosfera distinta di ogni luogo con questo approccio. Ad esempio, Kenji Mizoguchi lo ha usato nel suo film, Tales of the Foggy Moon After the Rain (1953). Mizoguchi ha esplorato temi storici e racconti popolari nel suo lavoro, mentre Ozu ha adottato un approccio diverso. In “Tokyo Tale”, ha creato un contrasto tra la frenetica vita cittadina e le scene rurali più rilassate, evidenziando il progresso della tecnologia nella società moderna. Tra tutti i ricordi, ci viene in mente l’impatto che la guerra ha avuto sulle persone. Le conversazioni tra vecchi amici, dove ricordano i loro figli morti in battaglia, riportano a casa la tristezza dei padri che hanno perso i loro figli a causa di questo conflitto. Questi toccanti dettagli storici servono come riflessione sui tempi passati. La storia di “Tokyo Tale” è radicata nel passato e segue la ricerca dell’affetto di un genitore che alla fine rimane sfuggente. Usando personaggi reali e viventi invece dell’allegoria, una semplicità senza pretese permea tutto. I protagonisti del lavoro di Ozu si trovano in una serie di luoghi diversi. I bambini sono spesso in ansia per ciò che accade nel mondo reale che li circonda. Il regista evidenzia i difetti umani in modo umoristico senza aggiungere antagonisti al film. Descrive anche la realtà dal punto di vista di un bambino, rendendola più genuina e riconoscibile.

Nel film è evidente un contrasto tra lo stile genitoriale dei genitori moderati e quello dei figli con i piedi per terra. Questo crea una dinamica speciale che esprime le emozioni di ogni personaggio, dove il messaggio di fondo di Ozu è quello della semplicità e dell’altruismo. Sono i tratti fondamentali della personalità di un individuo che contano davvero. The Tokyo Tale ci ha mostrato quanto sia significativo essere altruisti e umili, riflettendo queste qualità con sincerità. Chieko Higashiyama, madre del gruppo che alloggia nella casa di campagna, ha commentato con un sorriso: “C’è un’atmosfera piuttosto vivace”. Nonostante l’energia in casa, lei e la sua famiglia aspettano pazientemente che i loro piccoli ospiti finiscano e vadano a letto. Chishu Ryu fa un debole sorriso mentre risponde: “Sì, certo”. La vita viene spogliata dei suoi elementi banali e caricata con le realtà più dure della vita in questo modo.

Per più di trent’anni, Yasujiro Ozu è stato uno dei cineasti più acclamati del Giappone. I suoi film sono noti per la loro bellezza significativa e i movimenti precisi. Nessuna classifica mondiale dei migliori cineasti è completa senza menzionare Ozu e il suo classico “Tokyo Tale”. Cineasti famosi come Steve McQueen, Abbas Kiarostami, Jim Jarmusch, Bela Tarr, Woody Allen, Mike Leigh e Wim Wenders sono stati tutti ispirati dal lavoro del famoso regista Yasujiro Ozu. Costituiscono solo una piccola parte di questo lungo elenco.

Tokyo Tale di Yasujiro Ozu è un film che affronta il complesso argomento dell’eventuale separazione tra genitori e figli. Attraverso le sue tecniche di regia, Ozu è in grado di far emergere molto di più dei soli temi nazionali in questa storia. Pur appartenendo alla tradizione giapponese, questo quadro aveva uno spirito multiculturale capace di toccare il cuore di ogni persona che lo guardava. Il film include la frase “Sii un bravo figlio finché i tuoi genitori sono vivi” ripetuta due volte (la formulazione può variare a seconda della traduzione utilizzata). Alla fine del film, viene rivelato che queste persone si considerano semplicemente una famiglia per formalità. Con le responsabilità dei genitori che non hanno mai fatto parte dell’equazione, i bambini ora sono preoccupati per l’eredità e la tempistica del loro ritorno al lavoro. Dato che il tempo è essenziale, devono prendere un treno il prima possibile. Nell’opera di Ozu viene lentamente rappresentato lo scioglimento dei legami familiari. I bambini si allontanano sempre di più dai loro genitori e ognuno ne risente in modo diverso.

Utilizzando ardue tecniche artistiche, il regista è in grado di rappresentare immagini vivide su pellicola. Gran parte dell’inquadratura è lasciata vuota, aggiungendo all’edificio l’anticipazione di quando arriverà il protagonista. Le conversazioni che si concludono con uno sguardo persistente di uno dei partecipanti creano una sensazione di lavoro incompiuto e la continuazione della vita. Questo tipo di scena di dialogo fluida offre al pubblico qualcosa su cui meditare e riflettere.

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Gli ultimi due decenni ci hanno abituato a essere scettici riguardo al ritorno di registi famosi nel mondo dei loro classici. I prequel di Guerre Stellari di George Lucas, Indiana Jones e il Regno del Teschio di Cristallo di Steven Spielberg, Prometheus di Ridley Scott… Non il peggiore della storia del cinema, ma francamente deludente, e nel caso di Guerre Stellari sembra anche un tradimento nei confronti dei fan di lunga data del ciclo.

A differenza dei film precedenti, Fury Road non è stato girato in Australia ma in Namibia. Al suo apice, il film ha visto lavorare 1700 persone e il loro campo base nel deserto era grande quanto tre campi da calcio.

Non ci aspettavamo quindi molto dalla quarta serie di Mad Max che, dopo anni di ritardi, esce a trent’anni (!) dall’uscita di Mad Max 3: Thunderdome. Avevamo dato per scontato che Fury Road sarebbe stato solo una “scappatoia” commerciale senza palle e senza ispirazione da parte del settantenne australiano George Miller, che ha trascorso i suoi tre decenni a realizzare film per famiglie e bambini come Babe: il bambino a quattro zampe e I tuoi piedi. Che tipo di film d’azione post-apocalittico può esserci dopo pinguini danzanti e maialini amichevoli? Solo castrato fino all’osso.

Ci siamo sbagliati. Come ci siamo sbagliati! Si scopre che George Miller, in tutti questi anni, non si è allontanato sempre di più dal mondo di Mad Max, ma sognava un ritorno al deserto intriso di sangue e benzina. E quando l’ha fatto, ha riversato tutta l’energia creativa e drammatica che aveva messo da parte per insegnare ai maialini a parlare e ai pinguini a ballare.

Fury Road è il lavoro languido di un “vecchio” appassito e compiacente. Al contrario, è un film impetuoso e aggressivo, al cui confronto il recente “Forsage 7” sembra un melodramma ritardato. Si possono contare sulle dita di una mano tutte le scene del quarto “Mad Max”, in cui gli eroi si limitano a stare in piedi e a parlare, piuttosto che correre nel deserto, sparare ai banditi o risolvere le contraddizioni interne (le donne non si fidano di Max, e lui non si fida di loro).

Detto questo, l’azione di Fury Roads non è una semplice ripetizione degli episodi precedenti con effetti al computer. No, le acrobazie del nuovo film sono molto più pericolose, spettacolari, grandiose e inventive di quelle dei primi tre film, e molte di esse sono eseguite “dal vivo”, senza schermi verdi e a tutto gas. Ad esempio, le auto dei banditi che inseguivano il camion di Furiosa erano in realtà montate su pali alti e flessibili, che attaccavano i loro nemici con lance esplosive e cercavano di scavalcare i veicoli inseguiti. I realizzatori del film hanno trovato persone che hanno osato eseguire queste acrobazie al Cirque du Soleil.

Tuttavia, non proveremo nemmeno a descrivere tutto lo splendore visivo e l’insana grottesca follia di Fury Road. Potremmo spendere qualche pagina per elencare le acrobazie, le scenografie, i costumi, le modifiche alle auto, i manufatti del trucco (il film ha dei cattivi molto colorati!), le riprese e la regia… Ma perché rovinarvi il piacere delle sorprese che Miller ha preparato? Guardate i trailer e credeteci sulla parola: questi trailer non sono una raccolta di tutte le migliori inquadrature di Fury Road, ma solo una piccola parte della trascendentale magnificenza del film. Un film che dovrebbe essere visto da chiunque apprezzi i film d’azione e non rifiuti a priori i film che non hanno molto senso.

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Il distintivo di Hollywood e il distintivo di Hollywood attaccato a una maglietta strappata hanno fatto sì che un poco conosciuto all’epoca, Bruce Willis. Certo, a questo punto non ha più vegetato dietro un bar, versando “margaritas” a celebrità locali come De Niro, Pacino e Hoffman, ma lo status di “star” ancora non se lo sogna nemmeno. Willis ha avuto un solo ruolo di successo nell’ironico detective David Edison di “Moonlighting Detective Agency” / Moonlighting / (1985). E poi, all’improvviso, la fortuna ha sorriso a Bruce: scavalcando una serie di altri candidati, ha interpretato uno dei ruoli più importanti della sua vita: il detective John McClane.

“Che nevichi, che nevichi…”. – Facendo le fusa sotto il naso alle parole della canzone natalizia, un semplice poliziotto americano John McClane aveva fretta di incontrare sua moglie Holly… Nel frattempo, invece di un piacevole Natale John in appena mezz’ora è riuscito a dimostrare ai terroristi guidati da Hans Grubber, l’eroe di Alan Rickman, e al pubblico che il poliziotto americano – non è così semplice. Forse McClane non avrebbe dovuto disperdere i cattivi ovunque potesse, e sarebbe rimasto a casa moglie …

Il film è stato un successo clamoroso e il ruolo principale ha messo Willis alla pari con i celestiali di Hollywood. Stallone, Schwarzenegger, Eastwood, Gibson, Van Damme e Seagal hanno dovuto accogliere tra le loro fila un nuovo supereroe. Tuttavia, il trionfo è stato ben meritato: Willis ha dato il massimo sul set.

Non si può dire che il successo di “Die Hard” fosse inaspettato. Ancora una volta, la ricetta tradizionale ha funzionato: il camiciaio, cittadino modello e padre di famiglia, non senza difficoltà, vince sui malcapitati. Inoltre, l’uomo è anche tagliente con la lingua (per inciso, molte delle sue battute sono quelle improvvisate da Willis stesso). Come poteva resistere? L’importo finale degli incassi al box office mondiale, cinque volte il budget del film. Fatto curioso: all’inizio, i produttori non volevano nemmeno stampare un’immagine del poco conosciuto Willis sul poster pubblicitario, limitandosi a un grattacielo.

Tuttavia, dopo un paio d’anni, il volto di Bruce fu replicato in migliaia di poster e cartelloni pubblicitari – sugli schermi arrivò “Die Hard 2” / Die Hard 2 / (1990). A causa di un disguido nei programmi di ripresa, John McTiernan fu sostituito da Renny Harlin, all’epoca noto solo per la quarta parte di “A Nightmare on Elm Street”. Lo stesso Willis ha fatto diligentemente i compiti a casa, arricchendo il repertorio di frasi ad effetto come “Yo-ho-ho, figlio di puttana”, che sono state riversate sullo spettatore per tutta la durata del film. Ancora una volta, l’eroe ha continuato a distruggere i cattivi delle sue fortune familiari, facendo arrabbiare la polizia locale e i controllori dell’aeroporto. Non ci volle molto perché il risultato si riversasse nel salvadanaio di Peanut. Con un budget di 70 milioni di dollari, incassò quasi 300 milioni di dollari, un record che sarebbe stato battuto solo un anno dopo da Terminator II: Il giorno del giudizio (1991) di James Cameron.

Non è mancata nemmeno una nomination agli Oscar. È vero, sono state candidate alle statuette solo le immagini tecniche di squadra (miglior fotografia e suono). Ma per lo stesso Willis si trattò solo di una svolta, e presto il suo nome comparve anche nelle liste delle star (“Pulp Fiction” (1994), “Il sesto senso” (1999)).

Con Black & Decker è successa una cosa strana. I ragazzi volevano davvero vedere la loro esercitazione nel film e hanno pagato una bella somma per questo. La scena in cui McClane trapana disperatamente qualcosa con un trapano Black & Decker è stata anche filmata, ma è stata tagliata durante il montaggio. Che delusione è stata per i creatori di strumenti veloci quando il film è stato distribuito! La questione ha rischiato di finire in tribunale, ma lo scandalo è stato messo a tacere.

La pausa tra Die Hard 2 e la terza parte è stata di circa quattro anni. John McTiernan tornò al progetto e per prima cosa chiese di aumentare il suo compenso a 20 milioni, una cifra mai vista all’epoca. Alla fine, il budget per “Die Hard 3” /Die Hard: With A Vengeance / (1995) ammontava a 90 milioni di dollari. La base del film era la sceneggiatura “Simon Says”, che era stata pensata per la quarta parte di “Arma Letale”, ma mentre Gibson e Richard Donner facevano tremare i produttori con una serie di richieste, “Simon” fu deciso di “pettinare” sotto “Die Hard”. Così McClane ha “perso” la moglie, ma ha guadagnato un partner nero interpretato da Samuel L. Jackson.

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Durante la pre-produzione e le riprese stesse, i realizzatori del film non hanno smesso di oscurare. Hanno detto che il film sarà un remake del classico di Verhoeven, ma che sarà vicino alla storia originale di Phillip K. Dick. Dick; hanno promesso di evitare Marte e di sostituirlo con “il lato oscuro della Terra”. In realtà, il “lato oscuro” si è rivelato essere la Colonia, un ghetto per umani di seconda categoria, che era esattamente ciò che serviva Marte nell’originale.

Per quanto riguarda l’effettiva realizzazione del “remake-non remake”, il regista Len Wiseman e lo sceneggiatore Kurt Wimmer sono confusi sulla propria trama. Il film inizia, come il film di Verhoeven (e come la storia di Dick), con il sogno di Quaid. C’è la prostituta con tre seni e la zia grassa all’aeroporto. Ci sono alcuni riferimenti e ammiccamenti meno evidenti, dopo i quali non è più possibile prendere ciò che sta accadendo come una fiction seria. Tutto ciò che rimane è un cimitero al neon di opportunità mancate.

La sceneggiatura prevedeva un ruolo per Ethan Hawke, il cui monologo del personaggio occupava cinque pagine di testo dattiloscritto. Tuttavia, l’attore non è apparso nel film in uscita.

Per scrivere la sceneggiatura del primo “Per ricordare tutto” ci sono voluti 10 anni. Uno dei principali contendenti per la sedia da regista era David Cronenberg, che ha scritto 12 opzioni di sceneggiatura che sono state costantemente rifiutate.

Diciamo che proprio questa Colonia è la cosa migliore del film. È in parte tratto dalla metropoli di Radleyscott di Blade Runner, ma con un amore e un’immaginazione tali che le accuse di plagio farebbero gola a chiunque abbia occhi e cuore. I primi inseguimenti tra i tetti e i livelli della città ricordano a loro volta la visionarietà sfacciata di Paul W.S. Anderson, che nelle ultime puntate di Resident Evil ha sputato sulla drammaturgia e si è abbandonato a una rielaborazione della folle estetica del videogioco in linguaggio cinematografico.

Alla fine, Farrell e Beckinsale sono attori bravi almeno quanto Schwarzenegger e Sharon Stone. Il loro duetto intriso di chimica potrebbe benissimo costituire un film a sé stante sull’eterno rapporto di amore-odio tra un uomo forte e una donna… Qualcosa del genere inizia a verificarsi anche verso la metà. Gli attori interpretano brillantemente il continuo cambio di sentimenti e ruoli, ma questo intrigo non è destinato a risolversi per volontà dell’arbitrarietà della sceneggiatura, che trasforma il terzo finale in un continuo e poco fantasioso tritacarne. E in tali circostanze, porsi domande come “chi sono?” e “cosa è reale?” è solo più sciocco. Che differenza fa se ci sono tonnellate di computer grafica che si sbriciolano in giro?

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Il terzo film copiava troppo doverosamente Il giorno del giudizio, il quarto, invece, si allontanava troppo dalla solita formula di “Terminator”. Tuttavia, nessuno dei due ha preso in giro la sensibilità dei fan in modo così brutale e cinico come ha fatto “Genesis”. Il film di Alan Taylor non è stato solo un altro inutile sequel, ma un vero e proprio atto di necrofilia cinematografica. Gli eventi delle prime due parti, fino ad allora intoccabili, sono stati cancellati, riscritti, stravolti e trasformati in un circo poco divertente, costellato di citazioni a vuoto. Questo è stato senza dubbio il punto più basso nella storia del robot assassino. Ma, a quanto pare, non quello definitivo.
I diritti della serie sono tornati a James Cameron, che a sua volta ha coinvolto il regista di Deadpool Tim Miller per rimettere in piedi la serie. E ci è anche quasi riuscito.

Dani Ramos è una semplice ragazza messicana, giovane ma tutt’altro che sprovveduta. Ha l’onere di prendersi cura del fratello minore e del padre anziano, e la norma della fabbrica non le fa certo onore. Tutto nella sua vita era semplice e comprensibile, finché dal nulla non è apparso un qualcosa di inquietante: un mostro-mutaforma metallico che per qualche motivo vuole la morte dell’eroina. E come se non bastasse, uno sconosciuto con strane cicatrici sostiene che il futuro dell’umanità dipende dalla sicurezza di Dani.

A parte un’introduzione piuttosto inaspettata, che non vi svelerò, Dark Fortunes segue uno schema familiare dall’inizio alla fine. Si tratta ancora una volta di una compilation delle prime due parti della serie, ma se in Rise of the Machines questo approccio parlava più dell’indecisione dei creatori, qui si nota una scelta consapevole. Siamo di fronte a una sorta di compilation di greatest hits, che viene giustamente paragonata a The Force Awakens. Anche se un riferimento più pertinente è al franchise stesso – Genesis. Anche questo era destinato a riciclare la ricca eredità pop-culturale di Terminator e a spingere sulla nostalgia. Solo che gli sceneggiatori di Dark Fates, a differenza della troupe dell’immagine precedente, hanno gusto, senso delle proporzioni e mani dritte.

Non sono tanto gli attributi esterni dei film originali a essere presi in prestito, quanto la loro struttura. La trama si basa ancora una volta su un inseguimento. Un male implacabile insegue i protagonisti, ma fino allo scontro finale non hanno modo di fermarlo, ma solo di rallentarlo. La formula stessa, nonostante la sua semplicità, funziona ancora oggi: basti pensare al successo dell’horror indie It Follows. Tutto dipende da quanto è formidabile lo stalker e da quanto lo spettatore riesce a empatizzare con le vittime.
Non c’è problema con la prima: Gabriel Luna di Agents of S.I.T. è dannatamente bravo nel ruolo di REV-9 (a quanto pare, nell’originale deve essere consonante con “revenant”, cioè “il morto resuscitato”). Sì, è un’altra variante del T-1000, che si differenzia solo per il fatto di sapersi dividere.

Ma i creatori hanno colto una caratteristica importante del terminator liquido, che per qualche motivo è stata dimenticata in tutti i sequel: la capacità di mimetismo sociale. Dopotutto, Robert Patrick in “Il giorno del giudizio” interpretava non solo una macchina mortale, ma anche un poliziotto educato modello. Qui c’è anche REV-9, che all’occorrenza sfoggia un sorriso affascinante, che sembra piuttosto inquietante. Allo stesso tempo, Luna è convincente anche come robot assassino, con ogni azione mirata al compito da svolgere. Minimi movimenti inutili – massima efficienza. Se i creatori non avessero voluto aggiungere un cliché cattivo completamente inutile nel finale, l’immagine avrebbe potuto essere definita solida ed efficace.

Il problema principale, come prevedibile, è Dani: Natalia Reyes, ovviamente, è bella e almeno non fastidiosa, ma non è in grado di trascinare il film. Di certo non con questa sceneggiatura. La sua fanciulla è un Macguffin ambulante, ancor più di tutti i Connor. In assenza di un personaggio scritto in modo intelligente, Reyes è lasciato a reagire emotivamente a tutto ciò che accade. Linda Hamilton è stata messa più o meno nella stessa posizione nel primo film, ma lì tutto era tenuto insieme dalla sua chimica con Michael Bean. Qui, però, la giovane attrice è messa in ombra dai suoi colleghi più maturi.

Prendiamo Hamilton, il cui ritorno è forse la cosa migliore accaduta alla franchigia negli ultimi ventotto anni. In effetti, Dark Fortunes si basa interamente su Sarah Connor. È il suo film, la conclusione del suo arco narrativo. Un tempo si presentava al pubblico come una cameriera terrorizzata con un buffo taglio di capelli, poi si è trasformata in una lottatrice modello, e ora è entrata a far parte della schiera degli idoli invecchiati ma intatti della sua infanzia.

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