Yasujiro Ozu è stato molto venerato come regista nazionale, tanto che nessuno dei suoi film è mai stato proiettato in nessun festival internazionale fino alla sua morte. Si credeva che rappresentanti di spicco della cultura e dello spirito del Giappone come Kurosawa, Mizoguchi e Ichikawa avessero modificato l’estetica, la cultura e la visione del mondo della loro nazione in modo che avesse senso per gli spettatori stranieri. Pertanto, questi luminari erano in un certo senso registi “da esportazione” all’interno del proprio paese. I film di Ozu non erano facilmente accessibili al pubblico internazionale fino a poco tempo fa, poiché è stato etichettato come un regista esoterico. Tuttavia, con il crescente interesse per il suo lavoro, molti dei suoi film sono ora disponibili al di fuori del Giappone.
Nel 1927, Yasujiro Ozu diresse il suo film d’esordio, Sword of Repentance. Questo è stato l’inizio di quello che molte persone ora considerano come un film continuo che ha abbracciato tutta la sua vita: un’opera magistrale che utilizza gli stessi motivi narrativi.Yasujiro Ozu è noto per la sua profonda esplorazione della famiglia giapponese. Si è concentrato principalmente sull’interazione tra genitori, figli e tradizioni che alla fine diminuiscono nel tempo. La sua intera filmografia offre uno studio completo di queste relazioni.
Ozu ha proclamato in Tokyo Tale di aver rappresentato la diminuzione del sistema familiare giapponese a causa della crescita di genitori e figli. Lo ha anche etichettato come uno dei suoi film più sentiti. “Tokyo Tale” è una grande dimostrazione di un approccio registico sofisticato. Questo film insieme ad altri film del dopoguerra serve come promemoria per comprendere il valore della vita familiare pacifica.
Il cinema giapponese tocca spesso temi familiari, patriottici e militari nelle sue trame. Tuttavia, i film di Yasujiro Ozu sono piuttosto speciali tra gli altri per la loro narrazione unica. A differenza di Mikio Naruse e delle sue critiche alla famiglia come istituzione, questo testo non li condanna. Allo stesso modo, inoltre, non segue le orme di Keisuke Kinoshita e celebra il concetto come in alcuni dei suoi lavori successivi. Ozu è stato meticoloso nelle sue riprese, cronometrando la durata di ogni fotogramma con un cronometro, in netto contrasto con lo stile narrativo espansivo di Kurosawa. I film di Yasujiro Ozu evidenziano la famiglia come il suo universo e ne mostrano il graduale disfacimento.
Tokyo Tale è la parte conclusiva della trilogia di Noriko, che in precedenza comprendeva la tarda primavera del 1949 e l’inizio dell’estate del 1951. Questo film narra la storia di un’anziana coppia della provincia di Onomichi.Visitare i loro figli a Tokyo è stata la ragione principale per cui hanno visitato la città: il loro figlio era diventato medico, mentre la loro figlia aveva aperto il suo salone di bellezza. Sfortunatamente, molti bambini si ritrovano più preoccupati per i problemi della loro vita che per legare e passare del tempo con i loro genitori. Molti ragazzi optano per i pass per il fine settimana negli ostelli della gioventù come fuga. Comprensibilmente, i genitori si preoccupano e vengono in città per stare insieme come una famiglia e poi tornare di nuovo a casa. Alla vigilia del suo viaggio, la madre fa visita a Noriko, la vedova del figlio morto caduto in battaglia. Scopre che Noriko è più vicina ai genitori del suo defunto figlio che ai suoi stessi figli.
Ozu aveva un apprezzamento speciale per Tokyo Story, anche se ne parlava raramente. Questo film è basato su un’ambientazione regionale ma trascende per rappresentare qualsiasi nazione. Attraverso la rappresentazione delle relazioni genitore-figlio, Ozu tocca la questione del declino del Giappone. La cultura americana è stata pesantemente modellata da culture straniere, come evidenziato da rari segni di questa influenza negli stili di vita tradizionali. Minoru (Zen Murase), il figlio maggiore dei personaggi principali, sta imparando l’inglese e nella stanza di Noriko si possono vedere oggetti come un detersivo per bucato Rinso e un poster dell’azienda di pneumatici Brigdestone. Questi prodotti si aggiungono all’atmosfera dell’ambientazione del film.
Nel film, osserviamo il netto contrasto tra un ambiente urbano e uno rurale. Possiamo comprendere l’atmosfera distinta di ogni luogo con questo approccio. Ad esempio, Kenji Mizoguchi lo ha usato nel suo film, Tales of the Foggy Moon After the Rain (1953). Mizoguchi ha esplorato temi storici e racconti popolari nel suo lavoro, mentre Ozu ha adottato un approccio diverso. In “Tokyo Tale”, ha creato un contrasto tra la frenetica vita cittadina e le scene rurali più rilassate, evidenziando il progresso della tecnologia nella società moderna. Tra tutti i ricordi, ci viene in mente l’impatto che la guerra ha avuto sulle persone. Le conversazioni tra vecchi amici, dove ricordano i loro figli morti in battaglia, riportano a casa la tristezza dei padri che hanno perso i loro figli a causa di questo conflitto. Questi toccanti dettagli storici servono come riflessione sui tempi passati. La storia di “Tokyo Tale” è radicata nel passato e segue la ricerca dell’affetto di un genitore che alla fine rimane sfuggente. Usando personaggi reali e viventi invece dell’allegoria, una semplicità senza pretese permea tutto. I protagonisti del lavoro di Ozu si trovano in una serie di luoghi diversi. I bambini sono spesso in ansia per ciò che accade nel mondo reale che li circonda. Il regista evidenzia i difetti umani in modo umoristico senza aggiungere antagonisti al film. Descrive anche la realtà dal punto di vista di un bambino, rendendola più genuina e riconoscibile.
Nel film è evidente un contrasto tra lo stile genitoriale dei genitori moderati e quello dei figli con i piedi per terra. Questo crea una dinamica speciale che esprime le emozioni di ogni personaggio, dove il messaggio di fondo di Ozu è quello della semplicità e dell’altruismo. Sono i tratti fondamentali della personalità di un individuo che contano davvero. The Tokyo Tale ci ha mostrato quanto sia significativo essere altruisti e umili, riflettendo queste qualità con sincerità. Chieko Higashiyama, madre del gruppo che alloggia nella casa di campagna, ha commentato con un sorriso: “C’è un’atmosfera piuttosto vivace”. Nonostante l’energia in casa, lei e la sua famiglia aspettano pazientemente che i loro piccoli ospiti finiscano e vadano a letto. Chishu Ryu fa un debole sorriso mentre risponde: “Sì, certo”. La vita viene spogliata dei suoi elementi banali e caricata con le realtà più dure della vita in questo modo.
Per più di trent’anni, Yasujiro Ozu è stato uno dei cineasti più acclamati del Giappone. I suoi film sono noti per la loro bellezza significativa e i movimenti precisi. Nessuna classifica mondiale dei migliori cineasti è completa senza menzionare Ozu e il suo classico “Tokyo Tale”. Cineasti famosi come Steve McQueen, Abbas Kiarostami, Jim Jarmusch, Bela Tarr, Woody Allen, Mike Leigh e Wim Wenders sono stati tutti ispirati dal lavoro del famoso regista Yasujiro Ozu. Costituiscono solo una piccola parte di questo lungo elenco.
Tokyo Tale di Yasujiro Ozu è un film che affronta il complesso argomento dell’eventuale separazione tra genitori e figli. Attraverso le sue tecniche di regia, Ozu è in grado di far emergere molto di più dei soli temi nazionali in questa storia. Pur appartenendo alla tradizione giapponese, questo quadro aveva uno spirito multiculturale capace di toccare il cuore di ogni persona che lo guardava. Il film include la frase “Sii un bravo figlio finché i tuoi genitori sono vivi” ripetuta due volte (la formulazione può variare a seconda della traduzione utilizzata). Alla fine del film, viene rivelato che queste persone si considerano semplicemente una famiglia per formalità. Con le responsabilità dei genitori che non hanno mai fatto parte dell’equazione, i bambini ora sono preoccupati per l’eredità e la tempistica del loro ritorno al lavoro. Dato che il tempo è essenziale, devono prendere un treno il prima possibile. Nell’opera di Ozu viene lentamente rappresentato lo scioglimento dei legami familiari. I bambini si allontanano sempre di più dai loro genitori e ognuno ne risente in modo diverso.
Utilizzando ardue tecniche artistiche, il regista è in grado di rappresentare immagini vivide su pellicola. Gran parte dell’inquadratura è lasciata vuota, aggiungendo all’edificio l’anticipazione di quando arriverà il protagonista. Le conversazioni che si concludono con uno sguardo persistente di uno dei partecipanti creano una sensazione di lavoro incompiuto e la continuazione della vita. Questo tipo di scena di dialogo fluida offre al pubblico qualcosa su cui meditare e riflettere.